本土原创音乐剧路在何方？

从观众需求出发，找到属于自己的文化脉搏

　　近些年，随着音乐类综艺节目的逐渐增多，节目同质化的情况也越来越严重，各个节目组为了能够标新立异，也开始向小众的音乐类型进行探索。在上个月，一档以美声为主题的节目《声入人心》突出重围，不仅收视率喜人，其口碑也是颇高，截至目前，其豆瓣评分已经达到了9.1分。

　　《声入人心》抛开了音乐综艺节目的流行音乐视角，而是聚焦于美声、歌剧、音乐剧等“冷门”领域。36位歌手在节目中不仅没穿燕尾服，还通过轮番竞演的方式，来争夺八个首席的位子。这其中，有两位音乐剧演员郑云龙和阿云嘎颇为亮眼，郑云龙演唱的《我，唐吉诃德》选段，更是让史诗英雄的意气风发与远大征程尽现眼前。

　　但在《声入人心》热度节节攀升的同时，人们也开始对国内的音乐剧市场感到忧心。著名男中音歌唱家廖昌永就曾在节目中指出，国外一个音乐剧可以持续不断地演10年，而中国音乐剧能坚持一年封箱底的就算成功了。连业界当之无愧的A角郑云龙、阿云嘎都只能在参加综艺节目之后才能被人知道，音乐剧在中国的成长之路到底走得有多艰难？

原创剧目

道阻且艰

　　上个月21日，北京天桥演艺联盟在2018国际音乐剧产业高峰论坛上发布了《2018中国音乐剧指南》。报告中指出，2017年全国音乐剧的演出票房达2.55亿元，增长率达到47%。但从2013年以来，国内音乐剧演出票房并非稳步增长，而是呈现过山车式的变化。

　　之所以会产生这样的数据，与缺乏原创本土音乐剧有关。从数据来看，国内音乐剧演出票房主要依靠国外原版音乐剧拉动，票房的高低，与引进剧目的数量呈正相关趋势。例如在2017年，全年一共引进了九部国外原版音乐剧，从而创下了全年票房历史新高。2017年票房排名前十的剧目中，国外原版引进数量占比50%，国产原创剧目仅有一部《爷们儿》。排名前三的分别是上海迪士尼驻场演出《狮子王》中文版、《魔法坏女巫》以及《音乐之声》中文版。

　　《爷们儿》是开心麻花的一部原创音乐剧，从2013年首演开始，目前已经巡演了5年。靠着开心麻花在话剧、电影方面的金字招牌，《爷们儿》才能从国外原版音乐剧的重重包围中突围出来，让人不免唏嘘。据悉，早期《爷们儿》开始宣传卖票时，宣传人员为了让票能卖得更好，甚至提出希望把“音乐剧”三个字拿掉。

　　不只如此，国产原创音乐剧想要走出国门，也同样艰难。爱丁堡戏剧节音乐剧板块负责人在接受采访时就表示，由于语言、文化等多方面的原因，中国等亚洲地区国家在参加戏剧节时，通常会选择带来一些肢体类的戏剧，以起到降低观看门槛的作用。虽然这一类戏剧很精彩，但长时间都基本只有这一种类型，其实并不讨巧。观众更愿意看到的，还是那些新颖、有趣的内容。

　　其实不止是音乐剧本身，就连音乐剧演员的情况，也处于同样尴尬的境地。在节目《声入人心》中，如果我们仔细观察，会发现选手们基本都是来自于各个音乐名校。除了中国音乐学院、中央音乐学院、上海音乐学院、中央戏剧学院等国内的知名艺术高校，选手中也不乏出身于伯克利音乐学院、茱莉亚音乐学院、纽约大学、耶鲁大学等世界顶级学府的。尽管看上去，国内有不少艺术院校都开设了音乐剧相关专业，但事实上，国内真正开设音乐剧的本科教育课程是在1995年，而开设研究生教育课程要等到21世纪初。

　　起步晚，也就导致了教育体系的不完善。在国内大部分艺术院校中，都是以培养表演人才为主的，这就使得作曲、编剧、导演等其他的专业人才极度匮乏，并且由于缺少相应的实践、演出机会，更使得大多数学生在毕业后难以达到商业演出的标准。在这种情况下，即便是专业突出、能力出众的学生，在毕业后都有可能无法找到满意的工作。在《声入人心》中表现突出的郑云龙，就曾无奈的表示，自己在刚毕业的时候一个月工资只有800元，连房租都付不起。

西为中用

探索出路

　　其实，像郑云龙曾经这样的遭遇，在国外也是相当常见。据伦敦音乐学院音乐剧系一名教授表示，在伦敦，大部分音乐剧演员都有第二份工作，因为他们如果单单依靠音乐剧的话，是很难支撑生活开销的，“有时候，为了一部演出时间长达两三周的音乐剧，他们甚至得放弃之前的工作，等到演出结束后再重新投简历，这相当于是用另一份工作来维持试镜。但是也没有办法，因为大家都知道，要成为一个有名气的演员，是要投入很多年的精力的。”

　　国内原创音乐剧的发展为何如此坎坷？相信这是很多人都在思考的问题。

　　早在1908年，近代著名学者王国维就在他的著作《戏曲考原》中提出，“戏曲者，谓以歌舞演故事也”。简单的一句话，却道出世界上很多传统戏剧样式的共性。

　　无论是音乐剧，还是歌剧、话剧，他们的本质都是戏剧，因此不管是形式是表演、演唱还是舞蹈，他们的核心都是故事。例如上一段爱丁堡戏剧节中出现的问题，症结就在于此。不少参加戏剧节的国家，因为语言不通，所以就采用了默剧、木偶剧、杂技等形式。这样的形式其实很有新意，但长时间如此，观众不仅容易出现审美疲劳，而且因为缺少语言这一媒介，就很容易觉得剧情太过晦涩。所以，音乐剧在创作阶段，除了艺术方面的考量，剧情贴近生活、贴近观众也很重要。

　　此外，音乐剧是一种强调现场体验的剧场艺术。尽管随着科技的不断进步，各种合成器、音频制作软件出场率越来越高，使得现场乐师的数量逐步下降，但很多追求艺术水准的团体，还是会在音乐剧的演出现场使用乐队，并且演员也大都是真唱。但在国内的许多原创音乐剧目中，除了个别主唱是真唱外，群演基本都是提前录好，现场对口型，乐队也基本都被提前录制的伴奏取代。这样直接导致的，就是国产原创音乐剧现场感的缺失。可以说，真演、真唱、真乐队，是产生音乐剧现场感体验的关键因素。

　　同时，假唱对口型和使用伴奏除了影响现场感之外，还会影响到音乐剧的核心特色——整合性。相对于其他的剧种，音乐剧的表现方式更加宽泛，声乐、器乐、舞蹈、表演，甚至戏曲，都可以融入其中。可是大量伴奏和假唱的出现，却使音乐剧的整体性大大削弱。由此可见，目前国内的原创音乐剧，需要学习和改变的的东西还有很多。近些年大量外国原版音乐剧的引进，其实也给了本土原创音乐剧很多借鉴的机会，并不是坏事。

　　而与此同时，中国源远流长的传统文化，也是音乐剧创作不容忽视的丰富资源。在创作过程中，我们既不能放弃中国传统歌舞叙事的精妙，也需要借鉴西方经典音乐剧的规律性手法，做到中西结合，西为中用，并从尊重市场起步，从观众的需求出发，摸准属于我们自己的文化脉搏，探索出一条属于本土原创音乐剧的道路。